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ストリングツリーは、魅力的な小さな発明品です。プラスチック製の台座に繊細な渦巻き模様が施された小さな金属片で、ヘッドストックに直接ねじ込まれています。ほとんど取るに足らないものに見えますが、そこには何か理由があるはずですよね？ その発明は、あらゆるギターの巨匠レオ・フェンダーによるものと広く信じられています。彼は、史上初の商業的に成功したソリッドボディのエレキギターであるフェンダー・テレキャスターの生みの親であり、75年以上経った今でも世界中のギターレジェンドに愛用され、生産され続けています。また、象徴的なフェンダー・ストラトキャスター、初の電気ベースであるフェンダー・プレシジョン、その他数え切れないほどの象徴的なギターやアンプも生み出しました。 レオがそれを発明したのなら、何か目的があるはずですが、それは一体何でしょうか？ 見ていきましょう。でもその前に、まずは基本的なことから始めましょう… ストリングツリーとは？ ストリングツリーとは、ギターのヘッドストックに取り付けられ、一部の弦を所定の位置に保持する小さな金属片です。「取り付けられることがある」と言ったのは、すべてのギターにストリングツリーが装備されているわけではないからです。それはチューニングマシンの配置とヘッドストックの角度によって異なります。 ほとんどのフェンダー/スクワイアギター（ストラトキャスター、テレキャスター、ジャズマスター、ジャガーなど）や、G&L、シャーベル、フェルナンデス、ジャクソン、ESP、一部のアイバニーズモデルなど、同様のデザインのヘッドストックを持つブランドには、1つまたは2つのストリングツリーが取り付けられています。 一方、ギブソンやエピフォンなどのギターには、めったにストリングツリーがありません。これは、3つずつ配置されたチューニングマシンと、ヘッドストックの急角度によるものです。 では、次に… ストリングツリーの役割とは？ すでにお気づきのことと思いますが、角度のついていないヘッドストック、特に6連のチューニングマシン配置を持つものは、ほぼ常にストリングツリーを備えています。一方、3対3の角度つきヘッドストックにはありません。 したがって、ストリングツリーは弦を所定の位置に保持するために存在しているはずです。まあ、それは部分的に正解ですが、それ以上の役割を果たしており、それがギターの音色に影響を与えるところです。 しかし、まず第一に、ストリングツリーは、ナットから最も遠いチューニングマシンを持つ弦、つまりB弦とハイE弦を所定の位置に保持します。そして、下の図に示すように、D弦とG弦をしっかりと保持することもあります… しかし、それらはさらに重要な目的も果たします。それは、カジュアルに見ても分かりにくいことですが、ナットに圧力を加えるブレイクアングルを作り出すことです。 少し複雑に聞こえるかもしれませんが、簡単に言えば、6連のレイアウトでは、ハイE弦のナットより後ろの弦の長さが、低い弦の2倍になることがあります。さらに、すべてのチューニングマシンがヘッドストックから同じ高さにあると考えると、各弦は以前の弦よりも浅い角度でナットに到達することになります。ハイE弦が最も影響を受けます。 ストリングツリーを取り付けることで、より大きなブレイクアングルが生まれ、高い弦がストリングツリーがない場合よりもはるかに強い圧力をナットに加えることができます。そして、ストリングツリーによってナットで生じる大きな振動が、ギターの音色を向上させるのです。 ストリングツリーがナットに近づくほど、圧力は大きくなります。そのため、位置を再調整することも可能です。しかし、レオ・フェンダーは一切を偶然に任せることなく、最適と考える位置に配置しました。素晴らしいストラトやテレで実験を始めることはお勧めしませんが、一からギターを製作している場合は、ヘッドストックに仕上げを施す前にストリングツリーの位置を調整してみてください。別の位置の方が好みかもしれません。 Guyker アフターマーケット交換用ストリングツリー ギターのストリングツリーを取り外しても大丈夫ですか？ あなたのギターなので、好きなようにしても構いません。しかし、前述の通り、ストリングツリーはナットに必要な圧力を生み出すため、圧力が低下すると高音弦がスロットから滑り落ちる可能性があります。 さらに悪いことに、ナットにかかる圧力が低いと、弦の振動がナットに伝わりにくくなるため、ギターのサステインが失われたり、全体的な音色が弱くなったりする可能性があります。 ストリングツリーの代替品はありますか？ ギターのデザインは常に進化しており、一部の賢い技術者たちは、時代遅れのストリングツリーよりも優れた解決策が必要だと考えました。 そしてその結果、ストリングリテイナーとスタッガードチューナーが誕生しました。 ストリングリテイナー これらの革新的な小さなデバイスは、ストリングツリーに比べていくつかの利点がありますので、それらが何であるか見ていきましょう… あらゆるヘッドストックレイアウトに普遍的に使用可能 ご存知の通り、ストリングツリーは一般的に6連のヘッドストックに見られますが、3連のヘッドストックでサステインを増やし、チューニングの安定性を向上させるためにブレイクアングルを大きくしたい場合はどうでしょうか？その場合、ストリングリテイナーを取り付ける必要があります！ これらはチューニングマシンのシャフトのナットの下に簡単に装着でき、弦をしっかりと保持し、楽器のサウンドも向上させます。 ただし、これらは3対3のヘッドストック専用ではありません。6連のヘッドストックでも、D弦のチューニングマシンシャフトに1つ、G弦のシャフトにもう1つ取り付ければ、標準的なストリングツリーの素晴らしい代替品となります。 穴あけ不要 このデザインは、ヘッドストックに穴を開ける必要がないことも意味し、改造は100%元に戻すことができます。そのため、たとえばギターを売却するときなど、取り外す必要がある場合でも、目障りな穴が残って埋める必要はありません。 しかし、弦を何も固定したくない場合はどうでしょうか？ ストリングツリーやストリングリテイナーにはそれぞれ問題があり、特にトレモロバーを多用するユーザーにとっては、不必要な弦の摩擦を引き起こし、チューニングの安定性の問題につながるため、あまり人気がありません。 その解決策は…スタッガードハイトチューナーであり、あとはご存知の通りです！ しかし、それらは良いものなのでしょうか？見ていきましょう、でもその前に… スタッガードチューニングマシンとは？ スタッガードチューナーは、驚くことではありませんが、段差のあるチューナーです！したがって、最初のチューニングマシン（低E弦）は2番目のチューニングマシンよりも高く、2番目のチューニングマシンは3番目のチューニングマシンよりもわずかに高く、という具合に、最後のチューニングマシン（ハイE弦）が最も低くなります。 一部のプレイヤーは、ストリングツリーを使用せずに弦の角度を大きくするために、フェンダータイプのヘッドストックに取り付けます。...

さて、代替チューニングを深く掘り下げる連載の第2弾です。早速本題に入りましょう。 オープンチューニング パート1で紹介したチューニングはすべて、レギュラーチューニングの緩やかな代替でしたが、もしギター全体をコードにチューニングしたらどうなるでしょうか？ オープンチューニングという神秘的な世界へようこそ… オープンチューニングでは、すべての弦をコード内の音（通常はメジャーコード）にチューニングします。そのため、何もフレットせずにギターを弾くと、完全なオープンコードが聞こえます。スライドギターを弾くのに特に便利で、レギュラーチューニングでスライドを弾くよりもはるかに多くの音に簡単にアクセスできます。 また、その独特のサウンドから、特にフィンガーピッキングではフォークやカントリーで広く使われています。このチューニングは、いくつかのフレット音だけで興味深い曲を作成し、オープンコードのほとんどを鳴らしたままにすることができます。 しかし、スライド、フォーク、カントリーだけでなく、オープンチューニングはロックやインディーのアーティストによっても、1、2曲のために定期的に採用されています。 いくつか見てみましょう… オープンD - D-A-D-F#-A-D Dメジャーコードは3つの音で構成されています - D-F#-A。したがって、オープンDチューニングを作成するには、2本の弦はレギュラーチューニングのままにし、残りは3つのコード音のいずれかになるように音程を下げます。 E弦は全音下げてDにし、A弦とD弦はそのままにします。次に、G弦を半音下げてF#にし、B弦を全音下げてAにし、最後に高いE弦を全音下げて別のD音にします。 完成！これでドロップDチューニングになりました。開放弦をかき鳴らしてみてください。素晴らしいサウンドではありませんか？ ボブ・ディラン、ジョニ・ミッチェル、シーシック・スティーブといったアーティスト、そしてザ・ブラック・クロウズ、パール・ジャム、マムフォード・アンド・サンズ、アリス・イン・チェインズといったバンドが使用しています。 こちらは、オープンDチューニングを使用したEven Flowのストーン・ゴッサードのギターパートのフルTABです。 オープンE - E-B-E-G#-B-E オープンDチューニングと同様に、6弦すべてにわたってオープンEコードを作成する必要があります。EメジャーはE-G#-Bで構成されているため、低音のE弦と高音のE弦、そしてB弦は通常通りチューニングしたままにできます。次に、A弦を全音上げてBにし、D弦を全音上げてEにし、G弦を半音上げてG#にします。 オープンEチューニングを使用して録音されたおそらく最高の曲は、ローリング・ストーンズのクラシック「ギミー・シェルター」のリズムギターパートでしょう。このチューニングは、ボブ・ディランのアルバム「血の轍」のほぼすべての曲や、ジョー・ウォルシュの「ロッキー・マウンテン・ウェイ」のスライドギターパートでも使用されました。 オープンEチューニングのギミー・シェルターのフルTAB オープンGチューニング - D-G-D-G-B-D もうオープンチューニングへのギターのチューニング方法はご理解いただけたと思うので、これと次の説明に時間を費やすことはしません。いくつかの弦をそのままにしておけるかどうか（オープンGの場合、D、G、B弦）、そして各弦で必要なコード音にチューニングを上げるか、できれば下げるか（弦を切断したくないですよね！）を考えてください。 オープンGオーバーチューニング - G-G-D-G-B-D これは上記のGチューニングのバリエーションで、倍音に倣ったものです。低音のD音をG音に置き換えることで、G-G-D-G-B-Dとなります。バッド・カンパニーのミック・ラルフスや、ジョニ・ミッチェルの「バラの香り」（カポ3フレット）で広く使われました。 あるいは、ギターの一番太い弦を取り除き、5弦（G-D-G-B-D）にして、キース・リチャーズの最高の印象で堂々と弾いてみてください。彼は「ホンキー・トンク・ウィメン」、「スタート・ミー・アップ」、「ブラウン・シュガー」でこの5弦チューニングを使用しました。 GオーバーチューニングのフルBrown Sugar TABはこちらです。6弦は無視してください、キースは持っていませんから！ よりフォーク的でファンキーなチューニング レッド・ツェッペリンのジミー・ペイジは、史上最高のギタリスト、ソングライター、そしてクールな人物であるだけでなく、作曲時に代替チューニングを最も多用した人物の一人です。 これは主にバンドの静かでフォークの影響を受けた楽曲で見られましたが、カシミール（D-A-D-G-A-Dが特徴）のようなより激しい曲にも珍しいチューニングが取り入れられました。...

我々ギタリストは移り気な芸術家であり、常に楽器を駆使して新しいサウンドや面白い音色を生み出そうとしています。この目的を達成するために、様々な種類のギター（バリトン、ベースVI、あるいは12弦ギターなど）から、豊かでクリーミーなサウンドから異様な金切り声や唸り声まで、あるいはその中間まで、あらゆるものを生み出すことができる何千ものエフェクターまで、多くのツールが私たちの手元にあります。 しかし、ギタリストのほとんどがめったに使用したり、話したりすることのない、素晴らしい代替チューニングの世界があります。 では、なぜもっと多くのギタリストが代替チューニングを使わないのでしょうか？画期的なフォークシンガーソングライターのジョニ・ミッチェルから、実験的なアートロックの伝説であるソニック・ユースまで、代替チューニングを使って大成功を収めた人もいます。しかし私の意見では、プレイヤーの約80％はレギュラーチューニングを使用し、19％はEbレギュラーチューニング、つまり半音下げチューニングを使用し、おそらく1％だけが何か違うものを使用しているでしょう。 最も一般的な代替チューニングと、少し珍しい代替チューニングを巡る旅に出かけましょう。それらを使用するバンドや、それらがなければ日の目を見なかったであろう曲のいくつかも紹介し、あなたの視野を広げ、創造性を刺激しましょう。 それでは始めましょう… レギュラーチューニング - E-A-D-G-B-E 古き良きレギュラーチューニングは、当然ながら…標準です。世界中のほとんどのギターショップに行けば、すべてのギターがそのようにチューニングされています。YouTubeやSpotifyでお気に入りのプレイリストを聴けば、またしても、ほとんどすべてのギターがそのようにチューニングされているでしょう。 あなたが初めて弾いたギターも、おそらくレギュラーチューニングで、そして今あなたの隣のギタースタンドやケースにあるギターも、おそらくそうチューニングされているでしょう。 E-A-D-G-B-Eというチューニングにまったく問題はありません。実際、良い点がたくさんあります。今日挙げるすべてのチューニングの中で、これは断トツで最高の妥協点です。これは、すべての指を使って比較的簡単にできるだけ多くの異なるコードシェイプを作成するための最も効率的な方法を提供します。 したがって、ほとんどのギタリストにとって、これは断然最高のチューニングオプションです。しかし、これを読んでいるあなたは「ほとんどのギタリスト」ではないので、次のチューニングに進みましょう… しかし、その前に、もっと知りたい場合は、私のこのテーマに関する考察を「なぜギターはE-A-D-G-B-Eにチューニングされるのか？レギュラーチューニングの深掘り」でご確認ください。 半音下げチューニングまたはD#/Ebレギュラーチューニング – Eb-Ab-Db-Gb-Eb これはレギュラーチューニングとまったく同じですが、すべての弦のピッチが半音下げられています。したがって… E - A - D - G - B - E  が Eb - Ab - Db - Gb - Bb - Eb...

ほとんどのプレイヤーは、ギターをE-A-D-G-B-Eのレギュラーチューニングに合わせます。よりダークなサウンドを好むため、またはバンドのボーカルレンジに合うように、少し低めにチューニングする人もいます。しかし、個々の弦の関係性は、レギュラーチューニングの場合と同じです。 もちろん、ジョニ・ミッチェルやソニック・ユースのような多様なアーティストが使用しているように、ギターのチューニング方法は他にも無数にあります。では、なぜこれほど多くのギタリストがレギュラーチューニングに合わせるのでしょうか？エンジニアリングの問題から始めましょう… 人間の手で最大限のコードを押さえられるように、6本の弦をどのようにチューニングできますか？ わあ、これまでギターのチューニングについてそのように考えたことはなかったでしょうね！しかし、それがギター、あるいは他のすべてのフレット楽器でこれまでに作成されたすべてのチューニングが解明しようとしている難問なのです。 問題は、最大4本の指しか使えないことです。親指は、ジミ・ヘンドリックスのようにネックに巻き付けてベース音を1つか2つ追加できるプレイヤーもいますが（下の写真参照）、実際にはカウントされません。しかし、現実には、私たち一般人にとって、親指は99.99999%の確率でてこの原理のために使われます。 ジミ・ヘンドリックスの驚くほど長い親指！ また、各コードにできるだけ多くの弦を含めることで、楽器を簡単にストラムできるようにする必要があります。 解決策は、移動可能な形、つまりバレーです。例えば、4本の指すべてで個々の音を押さえ、その形全体をネックに沿って上下に移動させる形を作ることができます。しかし、そうすると2本の弦をミュートした4弦コードしか生成されず、理想的ではありません。 そこで、バレーの魔法が登場します。1本の指で6本の弦すべてを押さえ、残りの3本の指でコードを形成できるようにします。これにより、ネックに沿って簡単に上下に移動できる6弦コードが得られます。 問題を理解し、解決策が見つかったので、次は… 最適なチューニングの妥協点 ギターのチューニング方法をどのように決めるにしても、それは妥協の産物であるはずです。完璧な世界では、プレイヤーはネックのどこにでも指を置き、6本の弦を使って好きな6つの音を出すことができます。しかし、現実の世界では、指が実際に届く範囲に制限されます。 しかし、これらの制限は、あなたが思っているほど制限的ではないかもしれません。実際、レギュラーチューニングを使用すると、通常、同じコードを演奏するために複数の異なるポジションを使用できます。 CAGEDシステムを使って、Cメジャーコード（レギュラーチューニング）の5つの異なる運指を紹介します。 これらはすべて同じコード、つまりCメジャーですが、互いに転回形です。したがって、C、E、GというCメジャーコードを構成する音はすべて含まれていますが、各コード内で各音の数が異なり、音高も異なるため、それぞれわずかに異なるサウンドを生成します。すべてCコードのように聞こえますが、互いにわずかに異なります。 ギタリストは通常、彼らが書いている曲で最も良く響くものを選択します。しかし、彼らはまた、前後のコードへのアクセスがどれほど簡単か、必要に応じてどの音をピックまたはフィンガーピックできるかという点も考慮に入れます。 E-A-D-G-B-Eは完璧なギターチューニングですか？ EADGBEへのチューニングは、多くのコードを比較的簡単にアクセスできるようにする点で、妥協の最良の選択肢です。ただし、一部のコードはまだほとんど演奏不可能です。オープンでチューニングすると、かなりひどい音になりますが、2本か3本の指だけでたくさんの素敵なコードを簡単に演奏できます。 さらに、G型バレーはかなり指を広げる必要がありますが、バレーコードを使えばほとんど何でも演奏できます。Bメジャーコードとバレーは、特に初心者にとって問題ですが、最終的には慣れることができます。 E-A-D-G-B-Eチューニングの理論 私たちがよく知っている基本的なコードは、長三度と短三度を積み重ねることで形成されます。 Eメジャーコードを使って説明しましょう。これは以下の音で構成されています… E - G# - B 1  -  3  -  5 EからG#は長三度 G#からBは短三度 EからBは五度 BからE（次のオクターブ上）は四度 コードを転回させてネックの別のポジションで形成する場合、各コードシェイプはこれらのインターバルから構築されなければなりません。そのため、ギターは四度でチューニングされており、これらの四つのインターバルを含むコードシェイプを形成しやすくなっています。 では、コードを見てみましょう… Eメジャートライアドは、E -...

私はギターをたくさん所有しています。私はスタジオを所有しているレコードプロデューサーであり、セッションギタリストも務めているので、ある程度はそれが正当化されます。しかし、実際には、GAS（Gear Acquisition Syndrome：機材購入症候群）が主な要因であることを十分に認識しています。 具体的な数字は控えさせていただきます。あまりにも恥ずかしいので。しかし、かなりの数になります。私は、フェンダーストラト、フェンダーテレ、ギブソンレスポール、ギブソン335という4つの定番エレキギターを、それぞれ少なくとも3本、通常はそれ以上所有しています。また、これら2つのブランドのあまり知られていないギター（ジャガー、ジャズマスター、SG、ファイヤーバード、フライングVなど）も、1本、または通常はそれ以上所有しています。 他にも、ビンテージエピフォンカジノやコロネット、リッケンバッカー、モズライト、シェクター、PRS、ダンエレクトロ、アイバニーズなど、さまざまな「クラシック」なギターやそうでないギターを所有しています。アコースティックギターについては話さないでください。それはまったく別の話になります!!! これらの素晴らしいギターをすべてリストアップしているのは、自慢するためでは決してありません。私がここに挙げたすべてのギターを所有し、演奏において豊富な経験を持っていることを知っていただきたいだけです。そして、私個人にとって、ギブソンレスポールは世界最高のギターなのです！ では、私がなぜそう感じるのか、その理由を探ってみましょう… レスポールが買える最高のギターである理由とは？ ギブソンレスポールの基本的なデザインは、1952年に発表されて以来変わっていません。確かに、ピックアップはP90からPAFに変わり、ブリッジはチューン・オー・マチックの導入によって改良されました。しかし、最も基本的な形では、今日ギターショップで買うレスポールは、1952年に買えたものと信じられないほどよく似ています。 1952年製レスポールゴールドトップ テレ、ストラト、あるいは他のどんなギターであれ、あなたが反論する前に言っておきますが、これは他のクラシックなデザインにも言えることです。私の言いたいのは、どんな理由であれ、ギブソンは最初の試みで、ソリッドギターをほぼ完璧に仕上げたということです。そして、レス・ポールという名のジャズギタリストが、この楽器の完璧なデザインに大きく貢献しました。 レスポールの功績 レス・ポールのミュージシャンとして、またエンジニアとしての功績を深く掘り下げることはしません。それだけで本が1冊書けてしまうからです。実際、この天才については多くの素晴らしい本が書かれています。興味があれば、「レス・ポール」と検索するだけで、彼の人生、音楽的才能、そして驚くべき発明についての情報が満載されるでしょう。 しかし、非常に簡潔にまとめると、レス・ポールは… マルチトラック録音を発明しました。これは、磁気テープの異なる部分に複数のトラックを録音するもので、1990年代まですべてのレコーディングスタジオで標準となりました。 オーバーダビングとサウンド・オン・サウンドを開拓しました。以前に録音されたトラックの上に録音することで、新しい創造的な録音方法を可能にしました。 「How High the Moon」や「Vaya Con Dios」など、彼のギターの妙技を披露した数多くの世界的ヒット曲をリリースしました。 「How High The Moon」 - レス・ポールとメリー・フォード そして… ギブソンのチームと共に、伝説的なギブソン・レスポール・ギターを製作しました。 豆知識：私たちギターオタクの間でよく聞かれる質問は、どのギタリストが最も多くのシグネチャーモデルを持っているかということです。多くの人はスラッシュを挙げるでしょう。ギブソンが非常に多くの異なるバリエーションを制作し、それらのすべてが非常によく売れたからです。ジョン・ペトルーシのMusicman Majestyシリーズを挙げる人もいるでしょう。もう1人の有力な候補はジェイムズ・ヘットフィールドで、ESPシグネチャーモデルの数で記録を持っており、現在84モデルです。しかし、実際の答えは、もちろんレス・ポールです。レス・ポールギターは、他のどのシグネチャーモデルが10年で売れた数よりも、1年で多くのレス・ポールギターが売れています！そして奇妙なことに、ギブソンやエピフォンによって販売されたスラッシュのシグネチャーギターのほぼすべてが、レス・ポールのシグネチャーでもありました!!! ギブソン スラッシュ シグネチャー レス・ポール カスタムショップ 1990 したがって、ギブソン・レスポールは天才によって考案され、設計されたことは間違いありません。これは、史上最高のギターを探す上で大きな称賛に値するはずです。 次に、...

異なるコードに関するミニシリーズを読んでこられた方なら、今では、メジャー、マイナー、セブンス、マイナーセブンス、メジャーセブンス、sus2、そしてsus4コードの習得者になっているはずです。 それでは、コードの語彙をさらに面白く、多様にするために、ディミニッシュコードとオーギュメントコードに進みましょう。いつものように、基本から始めます… ディミニッシュコードとは？ ご存じのとおり、基本的な三和音は3つの音で構成されており、メジャー三和音の場合は長音階の第1音、第3音、第5音、マイナー三和音の場合は長音階の第1音、短3度（フラットされた第3音）、第5音で構成されます。 Cの場合、音は次のようになります。 メジャー                 マイナー C - E - G             C - Eb - G ディミニッシュコード（dim）は、短三和音を基にしており、短三度（またはフラットされた三度）を含みます。しかし、五度（G）がディミニッシュ（フラット）され、Gbになります。 したがって、Cディミニッシュ（Cdim）は次の音を含みます。 C - Eb - Gb I  ...

まず、あなたの料理に関する意見を聞かせてください… ピザにパイナップルを乗せることについてどう思いますか？ おそらく、あなたは好きか嫌いかのどちらかと答えたでしょう。ピザにパイナップルを乗せることに関して、どちらでもないという人はほとんどいません。好きか嫌いかのどちらかです。ギターのスキャロップネックについても同様で、一部のギタリストはそれを好み、それ以外のものは弾きませんが、多くのギタリストはそれを嫌い、スキャロップネックが特徴のギターを購入することを決して考えません。 では、このギタリスト間の大きな意見の相違は何が原因なのでしょうか？なぜ、楽器のレジェンドを含む多くの人に愛され、他のほとんどすべての人に嫌われているのでしょうか？その理由を突き止める時が来ましたが、その前に基本的なことから始めましょう… スキャロップネックとは一体何ですか？ 私たちは皆、最初にクラシックギター、アコースティックギター、エレキギターのいずれであっても、伝統的なギターネックで演奏を始めました。ネックの構造は基本的に同じです。 伝統的なネックは、多くのテレキャスターや多数のクラシックギターに見られるメイプルネックのように、フィンガーボードを生成するために整形された無垢材であるか、または、ほとんどのアコースティックギターやエレキギターに見られるように、別の（または同じ種類の木材でさえ）薄くて平らな帯状の木材（つまりフィンガーボード）を取り付けることができるように整形された無垢材です。 次にフレットが追加され、次のようになります… スキャロップネックはデザインが全く異なります。通常、フィンガーボードを生成するために整形された一本の木材から作られます。しかし、フレットが配置される間のスペースがスキャロップされ、木材が除去されて凹状の溝が作られます。最終的には、以下に示すように、一連のすくい取られた溝がフレットによって区切られたネックになります… なぜネックをスキャロップするのか？ ネックをスキャロップすることで、摩擦が軽減され、指とフレットボードの間のクリアランスが増加します。これにより、プレイヤーはフレットボードとの接触が減り、多くの場合全くなくなり、弦との直接的な接触が増えます。 スキャロップネックのギターを購入することや、すでに所有しているギターのネックをスキャロップすることは、軽々しく考えるべきではありません。「犬はクリスマスだけのものではない、一生涯のものだ」という言葉を思い出します。なぜなら、スキャロップネックを選ぶことは通常、一生涯のコミットメントだからです。そして、当然のことながら、将来的に標準的なフレットボードの安定性を求めたくなったとしても、スキャロップネックを元に戻すことはできません。 では、なぜギタリストはこれほど根本的に異なるフィンガーボードのデザインを選ぶのでしょうか？ スキャロップネックは、弦のベンディングに新たな次元をもたらし、演奏するすべての音のイントネーションをマイクロトーンレベルまで決定することができます。これは、弦、フレット、および「フィンガーボード」（以下に示す）の間に大きな隙間があるシタールと似ており、演奏者はヒンドゥスターニー古典音楽で一般的なように、音をマイクロトーン的に変化させることができます。 ギターの話に戻りましょう… スキャロップネックでは、弦とフレットボードの間の距離が広いため、微妙な力加減で、あるいはかなり大胆に指で弦を押すことができます。これは、伝統的なネックでは不可能です。なぜなら、フレットボードに触れるとすぐに、それ以上押すことができないからです。 しかし、この新しい、非常にクリエイティブなベンディングには欠点もあります。それは、伝統的なネックで演奏するときのように、普段通りに指を押すだけで正しい音が出るとは限らないということです。音を演奏するたびに、特にコードをフレットするときには、指の圧力に非常に注意しなければなりません。これには慣れるまでかなりの時間と、優れた音楽的耳が必要です。長年演奏してきた人でも、このスキルを完璧にするには数ヶ月かかることがあります。 初心者が基本的なコードを学び始めるとき、音を正しく鳴らすために必要な力の量にすぐに慣れます。これはもちろん、ギターによって異なります。たとえば、アクションがひどいアコースティックギターは、適切にセットアップされたエレキギターよりも、クリアな音を出すためにより多くの力が必要になります。 しかし… スキャロップド・フィンガーボードは全く異なるものです。素晴らしい音のする音符を出すために、弦をフィンガーボードに押し付けるのに必要な力に慣れるという話ではありません。もしそうすれば、音符は音程がずれてしまいます。完璧な音符を出すためには、どこで力を加えるのを止めるべきかを学ぶ必要があります。それは、弦が始まるところとフィンガーボードの間の中空のどこかになるでしょう。これは習得が難しいスキルです。 多くのプレイヤー、特に初心者は、フレットが音を出す唯一の役割を担っていることを忘れがちです。分かっています、当たり前のように聞こえますが、私たちは学び方から、指をフレットボードに押し付ける方法、場所、そして力加減がフレットでの音を生み出すと自然に考えてしまいます。 しかし、すべてのフレットがフレットボードから3cm離れていたらと想像してみてください。突然、音を出すことは指の正確な位置決めではなく、弦にどれだけの圧力を加えるかということになります。弦はどこを押しても構いません。その正確な位置で加える圧力が、音が完璧に調和するかどうかを決定します。そして、それがスキャロップドネックを演奏するときに基本的に得られるものです。 物理学の基礎知識… スキャロップドネックで弦を押さえると、演奏している音の両側にある2本のフレットワイヤーが支点になります。次に、指で弦を押さえ、正しいピッチに達するまで押さえ続けます。これはフレットボードに触れるよりもはるかに手前で行われます。 スキャロップドネックの演奏に慣れていない人にとっては普通のことですが、指圧をかけすぎると、チューニングの合った「ストップポイント」を超えてしまい、その結果、ピッチが微妙に上がり、音がわずかにずれてしまいます。しかし、前述のとおり、これにより音楽的な表現の幅が広がり、曲の響きにとって最適な選択に応じて、完璧にチューニングされた音を演奏することも、わずかにずれた音を演奏することもできます。 これは、特定の音を完璧にチューニングして鳴らすために必要な圧力を、指に完全に再学習させる必要があることを意味します。もちろん、これは演奏するフレットや、各フレットペア間の正確な位置によって異なります。これだけでも十分に難しいのですが、コードを演奏するとなると、まったく新しい複雑な世界に入り込みます。すべての指に同時に正しい量の圧力を加えなければならないからです。スキャロップネック初心者にとっては悪夢です！ あなたは私がスキャロップネックギターを演奏しないように仕向けていると思うかもしれません。とんでもない、ただ説明しようとしているだけです… なぜスキャロップネックを演奏するギタリストが少ないのでしょうか？ それは、標準的なネックよりも習得がはるかに難しいからです。熟練したギタリストでも、スキャロップネックを弾きこなすには、数週間、いや数ヶ月かかるでしょう。 長年トラディショナルなフレットボードで演奏を学んだ後でも、これほどの努力と労力を費やすのですから、何かしらの利点があるはずです。 はい、努力を惜しまない人にとっては、実際にはたくさんの利点があります… スキャロップドネックの利点とは？ すべてのギタリストは群衆の中で目立とうとしています。平均的なギタリストとは異なる演奏方法を可能にするものは、したがって歓迎されます。あなたはフランジャーやディレイペダルの達人になることができます（U2のThe Edgeはその称号をすでに獲得していると思いますが）、あるいはアップストロークだけで演奏し始めることもできますが、それはすぐに飽きてしまい、音楽的な結果はあまり良くないと思います。 もう一つの問題は、これらのアイデアが簡単にコピーされてしまうことです。しかし、スキャロップドネックを演奏することは、あなたを群衆から際立たせ、楽器を異なる方法で演奏することを可能にします。 スキャロップネックは、様々なテクニックを演奏する新しい方法を提供します。弦をフレットボードに押し付ける摩擦なしにビブラートをかけることができ、はるかにスムーズで音楽的になります。また、弦をベンディングする際の範囲が広がり、よりスムーズな実行が可能です。基本的には、スキャロップネックの方が伝統的なネックよりも音楽的に自己表現しやすいのです。 物理学の話に戻ります。退屈なのは承知していますが、必要なことです。指とフレットボードの間に摩擦がないこと、つまり、弦自体だけを押しているという事実は、より速く演奏できる能力を与えます。実際、多くの練習をすれば、驚くほど速く演奏できます。これが、シュレッダーがスキャロップネックを好む理由です。 というわけで、次に話すのは… スキャロップネックの達人 音楽の歴史の中で、エレキギターの認識を根底から変えたプレイヤーがいました。60年代後半のヘンドリックス、70年代後半のエディ・ヴァン・ヘイレンとランディ・ローズ、そして80年代にはイングヴェイ・マルムスティーンがマーシャルアンプの壁とスキャロップネックのフェンダー・ストラトを携えて登場しました。...

チューニングは、すべての意欲的なギタリストが習得する必要がある基本的なスキルです。特に初心者は、地球上で最高のギタリストでさえ、ギターのチューニングが合っていなければひどい音を出すということに気づいていません。もちろん、熟練したミュージシャンはギターのチューニングが合っていないことを瞬時に察知し、問題を素早く解決する方法を知っているので、そのようなことは決して起こりません。 例として、史上最高のアコースティックギタリストの一人であるエイドリアン・レッグが、メロディーと創造的な効果のために演奏中にチューニングを調整するという卓越したパフォーマンスを見てみましょう。しかし、ちょっと待ってください。0:17までは始まりませんし、クレッシェンドは1:30まで待たなければなりません。まさに天才です… なぜギターのチューニングは狂い続けるのか？ チューニングの基本を正しく理解していないことから、低品質または古い/壊れたハードウェアの問題まで、多くの理由があります。しかし、その前に、手短に… ギターのチューニング方法 最近では、ほとんどのギタリストがチューニングにスマートフォンアプリを使用しています。それらのほとんどは優れており、正確で、非常に手頃な価格または無料で、常に手元にあります。私を含め、一部のギタリストは依然として専用の物理チューナーを使用しています。私は、ディスプレイがより良く、より大きいため、アプリよりもわずかに正確だと感じています。 しかし、チューニングアプリがこれほど手軽になったことの欠点は、多くのギタリストが耳でギターをチューニングする練習をしないことです。これはすべてのミュージシャンにとって通過儀礼であり、このスキルを習得する時間をかけることには多くの利点があります。 最も重要なのは、耳が音楽的な音を検出し分析する方法が根本的に改善されることです。耳でチューニングすることを学ぶことは、耳の訓練への第一歩であり、優れたギタリストになるために非常に重要なスキルです。したがって、すぐにアプリやチューナーに頼るのではなく、時々耳でチューニングしてみて、結果をアプリと比較してみてください。時間が経つにつれて、耳だけで完璧にすべての弦をチューニングできるようになり、音楽の旅を進める上で大きな恩恵を受けるでしょう。 それがカバーできたので、ギターのチューニングが狂い続ける最初の理由に移りましょう… #1 - そもそもチューニングが合っていなかった！ ばかげているように聞こえるかもしれませんが、すべての弦を正確にチューニングする時間をとらなかったり、週に数回だけ楽器をチューニングすればよいと思っている人がどれだけ多いかに驚かれるでしょう。 チューニングの細かい詳細については触れません。ウェブ上にはその情報がたくさんあります。しかし、より長くチューニングを維持するためのヒントとコツをいくつかお伝えします… 新しい弦の伸び 新しい弦は、馴染むまでチューニングがすぐに狂います。楽器に装着するときに弦を伸ばすなど、プロセスを早めるテクニックがあります。詳細については、私の詳細なガイド「新しいギター弦のチューニングが安定しない理由と解決方法」を参照してください。 しかし、弦が狂う原因となるある程度の動きは依然として予想されます。したがって、弦を交換した後数日間は、定期的に再チューニングする必要があります。 古い弦は死ぬ 弦は古くなると輝きを失うだけでなく、チューニングの安定性も低下します。ギターにしばらく装着していて、チューニングが安定しない場合は、弦を交換するだけで素早く簡単に問題を解決できるかもしれません。 G弦 G弦は奇妙なものであり、ネック全体で完璧にチューニングするのが最も難しい弦です。ここでイントネーション、つまり12フレットの音が開放弦の音とまったく同じであることを確認する話をしているわけではありません。一部のギターではG弦がそれに逆らいます。 G弦を開放弦で弾くルートコードを弾くと素晴らしい音なのに、BmのようにG弦をフレットで弾くコードを弾くと、突然弦が少し狂って聞こえることに気づいたことはありませんか？他のすべての弦は完璧にチューニングされているのに、G弦だけがほんのわずかに狂っているのです。 この問題の解決策は、最も多くコードを弾くギターの領域に合わせて弦をチューニングすること以外にありません。例えば、通常ルートコードを弾く場合は、開放弦か2フレットのA音にチューニングします。または、ほとんどの場合、ネックのもう少し上の方でEシェイプやAシェイプのバレーコードを弾く傾向がある場合は、5フレットのC音、あるいは7フレットのD音にチューニングします。 そのデザイン上、この問題に悩まされるギターは、他のギターよりも少ないものもあります。したがって、最良の選択肢は、いくつかの異なるG弦のチューニング方法を試して、自分の演奏スタイルに最も合うものを決めることです。 それがカバーできたので、次に… ギターはどのくらいの頻度でチューニングすべきか？ 簡単な答えは…演奏するたびに！そうです、膝に置いたり、ストラップを首にかけたりするたびに、まず「完璧に」チューニングが合っていることを確認する必要があります。昨夜寝る前にチューニングしたか、数時間前に休憩して食事をとったからといって関係ありません。演奏するたびに毎回チューニングする必要があるのです。 前の段落で「完璧に」という言葉を使いましたが、これはすべての弦がディスプレイのど真ん中にあることを意味します。「まあまあ」ではなく、ど真ん中です（チューナーやアプリに中央ディスプレイがあることを前提としてですが）。 そして、すべての弦のチューニングが終わったら、もう一度すべてをチェックして、まだチューニングが合っていることを確認する必要があります。これは、特に低音の太い弦に対して行った調整が、他の弦を狂わせていないことを確認するためです。 大変な努力であることは承知していますが、その見返りは十分価値があります。演奏するすべての音が良くなるだけでなく、耳は常に正しいピッチの音にさらされるため、将来的に何かが正しくないときに判断しやすくなります。 #2 - 悪魔のように弦をベンディングする 弦のチューニングがすぐに狂う2番目の理由は、あなたのテクニック、特に弦のベンディングを好む場合にあります。 すべてのベンディングは弦を物理的に伸ばし、私たち皆が大好きな感動的なサウンドを生み出します。弦を元の位置に戻せばチューニングが戻ると考えるかもしれませんが、ハードウェアによる摩擦があるとそうならない場合があります。 これにはいくつかの解決策があります。例えば、優れたGuyker Nut TL001 Adjustable Nut...

何ヶ月もバンドと練習を重ね、セットリストも決まり、いよいよ初めてのライブです。わくわくする一方で、ステージに上がる前や上がっている最中に、ギタリストだけでなくバンドの他のメンバーも緊張でガチガチになってしまうこともあり、かなり神経を使う時間でもあります。 では、そうならないためにはどうすれば良いのでしょうか？サウンドチェック、大切な最初の曲、そして残りのコンサートを乗り切るために必要な準備とは？一言で言えば、ベテランプロのようにステージをロックするのに必要な自信をどうやって手に入れるか、ということです。 さて、これらの質問にお答えするだけでなく、他にもたくさんの質問にお答えし、ライブ演奏前にギタリストが知っておくべきことすべてを深く掘り下げながら、私の最高のギターライブのヒントを共有します。まずは… なぜライブをするのか？ これは馬鹿げた質問に思えるかもしれませんが、重要な質問です。ミュージシャンがバンドを結成したり参加したりして、初めてのライブをブッキングする理由はたくさんあります。例えば、次のようなものがあります。 観客を楽しませたい 気の合う仲間との練習、ツアー、演奏といった社交的な側面を楽しみたいと思う 部屋にこもって練習するだけでは人生にはもっと多くのことがあると気づいた 人前で演奏することは、セットリストの曲を完璧に演奏しなければならないため、練習に確固たる構成を与える 最新の技を披露して、観客、特に自分が魅力を感じる人々に感銘を与えたい！ ライブをしたい理由は重要です。なぜなら、その答えがわかれば、コンサートを行うことは必然となるからです。観客を楽しませる、友人と時間を過ごす、その他何であれ、望む結果を得るためには、コンサートを開始し、終了しなければなりません。これにより、プレッシャーやギター演奏の不安の多くが取り除かれ、必要な自信を得るための大きな助けとなります。 リラックスしよう 初めてライブの観客の前でギターを演奏するためにステージに上がろうとしています。これは公共のバーやライブハウスでのコンサートではないかもしれません。もっと控えめなもので、観客は友人や家族かもしれません。しかし、バンドにいるなら、他のバンドメンバーの友人や家族も来ている可能性があり、彼らのことはよく知らないかもしれません。全くの他人ではないものの、それに近い状況なので、緊張するかもしれません。 うまく演奏し、できる限り良いパフォーマンスをしたいと思うでしょう。しかし、これは往々にして逆効果となり、頑張りすぎてミスをしたり、冷静さを失ったりします。ですから、馬鹿げたアドバイスに聞こえるかもしれませんが、最善の方法はリラックスしてただ演奏することです。ミスを過度に心配しないでください。それは起こりうることです。そして、ミスをしたら笑い飛ばし、何も問題なかったかのように続けてください。音響的な大失敗でない限り、観客の98%は気づかないでしょう。 パフォーマンスのための練習 メンバー全員が常に手元を見ているバンドを見るほどひどいものはありません。もし複雑な動きをしたり、ルートコードのところでネックのトップにある音を弾いたりする必要があるなら、きちんと演奏するために手元を見るのは大いに結構です。 しかし、これまで何百万回も弾いてきたGからD、Amのコード進行をかき鳴らしているのなら、観客の方を見るか、彼らの上の空間をぼんやりと見てください。これは単純なことのように聞こえるかもしれませんが、実際には見た目よりもずっと難しいことです。首から目を離すには自信が必要です。そうすると大失敗につながる可能性もありますが、それをマスターするための素晴らしいコツがあります… 鏡を使った練習 初めてのライブギタリストのチェックリストの最初のステップは、YouTube、Spotify、またはその他どこでも、演奏する曲を順番に並べたプレイリストを作成することです。通常、このために曲のライブバージョンを使用する方が良いでしょう。なぜなら、より本物らしく聞こえるからです。例えば、スタジオバージョンでは6つ以上の異なるギターパートがあるかもしれませんが、ライブバージョンではおそらくリズムギターとリードギターしかフィーチャーされていないでしょう。 初めてのライブギター準備の次のステップは、各曲の構成と各セクションを把握するまでプレイリストに合わせて演奏することです。それができたら、ステージモードに入りましょう。これからは、座って弾くのではなく、ギターを首から下げた状態で全てを快適に弾けるように、立って練習するだけです。 そして、最も重要なことですが、ベテランの演奏者のように見せるためには…大きな鏡や、反射する窓の前で練習してください。ギタリストが自然とやってしまう手元を見るのではなく、鏡や窓に映る自分の手元を見てください。これが自然になるまで、そして常に手元を確認しようとしないようになるまで、これを続けてください。慣れてきたら、手元に集中するのではなく、鏡全体を漠然と見てください。 前述のように、曲の中に難しいセクションがある場合や、観客を熱狂させるクライマックスのソロがある場合は、手元を見ても問題ありませんが、それが完全に必要でない限り、下ではなく前を見てください。 このテクニックはシンプルですが、非常に効果的です。ライブショーの練習スケジュールに1、2週間取り入れてみてください。どれほど早くステージの初心者からプロのパフォーマーに見えるようになるか、きっと驚くでしょう。 機材が仕事に耐えうるか確認する 初めてのギター演奏にカスタムショップ製のストラトやマーシャルスタックは必要ありませんが、弾きやすく、自分が慣れているギターは必要です。また、演奏する会場に十分な音量のアンプも必要です（ほとんどのプレイヤーにとって初めてのコンサートでマイクで音を拾うことはまずないでしょう）。 ほとんどのエレキギターは初めてステージに立つには問題ありませんが、セッティングを整えたり、もし何らかの点で不満があるなら少しアップグレードしたり改造したりするのも良いアイデアです。私はたくさんのアップグレードについて書いてきましたので、もし改善に興味があるなら以下のリストから選んでみてください。 あなたのギターのための最高のハードウェア ギターに合った正しいチューニングマシンを購入する方法 最高のエレキギターブリッジ レスポールに最適なピックアップ 私のギターに合うコントロールノブはどれ？ 高品質な部品や詳細情報については、こちらをクリックしてください。 しかし、ライブ用のギター機材についてあまり心配しないでください。今は持っているものを使用し、経験を積んで、演奏するコンサートの種類に合った機材が分かったら、将来いつでもアップグレードできます。 サウンドチェック サウンドチェックはコンサートを成功させるか失敗させるかを左右するので、賢く利用しましょう。 まず、機材をセットアップします。これは、バンドの種類や使用する楽器によって大きく異なりますが、基本的には、好きなバンドやライブで見たことのあるバンドと同じようにすべてをセットアップします。 すべてが準備され、機能していることを確認したら、時間が許せば1曲か2曲演奏してみてください。ステージ上で快適で自信があるほど良い演奏ができるので、時間をかけて確認するのが最善です。 あなたのバンドがサウンドエンジニアがいるPAシステム（公共放送システム）を通ることはまずないでしょうから、どのようにしてバランスの取れた良いサウンドを得るのでしょうか？最適な音量を得る最善の方法は、ボーカル、ギタリスト、またはベーシスト（ドラマーとキーボード奏者はその場にとどまる必要があります）が非常に長いギターケーブルを使って、観客がいるバンドの前に立つことです。まずドラムから始めます。なぜなら、ドラムには音量調節機能がないからです。次に、ベーシストに一緒に演奏してもらい、音が大きすぎるか小さすぎるかを伝えます。それがバランスが取れたら、バンド全体が希望通りに聞こえるまで、他の楽器を一つずつ追加していきます。 ギターステージの秘訣：何も当たり前だと思わないでください。必要な場所に必ず電源コンセントがあるとは限りません。ありませんから、電源タップ、あるいはもっと良いのは、マルチプラグ付きのものをいくつか持参してください。また、コンボアンプを置くテーブルがあるだろうと思わないでください。あるかもしれませんが、ビールケースの上に置くこともできます。しかし、アンプを安全に置ける小さくて折りたたみ可能なものを持っているなら、念のため持っていくようにしましょう。 馬鹿げているように聞こえるかもしれませんが、予備の弦、予備のピック、その他失くしたり壊したりする可能性のあるものはすべて持っていく必要があります。ギタリストとして初めてのライブは十分に緊張するでしょうから、弦が5本しかないギターでライブ演奏することを心配して、さらに悪化させないでください。...

サスコードは素晴らしいコードです。ほんの少し指を動かすだけで、どんなコード進行にも面白みを生み出します。 しかし、サスコードとは正確には何なのか？なぜ曲でこれほど効果的なのか？どうやって演奏するのか？そして、完璧に演奏するにはどの曲を練習すればよいのか？ それでは、早速見ていきましょう… サスコードとは？ ご存じのとおり、ほとんどのコードはメジャーまたはマイナーです。最初にギターを弾き始めたとき、基本的なルートメジャーコードであるA、C、D、E、G、そしてそれらのマイナーバージョンであるAm、Dm、Emを覚えましたね。その後、おそらくFとFm、BとBmのようなバレーコードに進んだでしょう。 これらすべてのコードに共通することにお気づきでしょうか？そうです、それらはメジャーまたはマイナーです。では… メジャーコードとマイナーコードの違いは何ですか？ ほとんどの基本的なコードは三和音、つまり3つの異なる音で構成されています。メジャーコードの場合、メジャースケールの1番目、3番目、5番目の音です。マイナーコードの場合、1番目、♭3番目、5番目の音です。したがって、メジャーコードとマイナーコードの違いは、スケールの3番目の音にあります。 しかし、もし3番目の音を完全に削除して、別の音に置き換えたらどうなるでしょうか？ その場合、メジャーでもマイナーでもないコードが残ります。それがまさにサスコードです。サスコードはメジャースケールの1番目と5番目の音を含みますが、3番目の音を2番目または4番目に置き換えるため、メジャーでもマイナーでもない曖昧な響きになります。 では、次に… Dsus2の弾き方 このコードは非常に簡単で、セカンドフィンガーを使わない標準的なDシェイプです。以下に示します… ご覧のとおり、このコードは3つの音、2つのD、1つのA、1つのEで構成されています。 次に、Dメジャースケールを考えてみましょう。 D - E - F# - G - A - B - C# > Dに戻る 1 - 2 - 3 - 4 - 5 -...

ギターを始めて半年から1年くらいのギタリストからよく聞かれる質問があります。「ギターを始めたばかりの頃に知りたかったことは何ですか？」 これは素晴らしい質問なので、私の考えを共有したいと思います。 #1 - 難しくない。練習とモチベーションがあれば大丈夫 まず驚くかもしれませんが、ギターを弾くのは難しくありません。時間と努力を惜しまなければ、あなたは良いギタリストになれるでしょう。最高とまではいかなくても、友達や家族を感心させ、バンドで演奏するには十分すぎるほどです。 問題は、ギターを習い始める最も困難な段階が、まったくの初心者である初期にあるということです。覚えることがたくさんありすぎて、指を正しい位置に置くことができず、すべてのコードがひどい音になり、リズムがバラバラなのでテンポを維持できません。それに、あの嫌な金属の弦を押さえるせいで、指の先が痛いのです！ この段階を乗り越え、音が良くなり、痛みが少なくなるまでには数週間かかります。それ以降も、恐ろしいFコードやBコードを習得するなど、困難はありますが、練習と献身があれば、どんなハードルでも乗り越えられるでしょう。 ちなみに、素晴らしいギタリストになるまでにどれくらいの時間がかかるのか疑問に思っているなら、私の詳細な記事「ギターをマスターするまでにどれくらいの時間がかかる？」をチェックしてください。 最後に、Radioheadの「Anyone Can Play Guitar」という曲で締めくくりたいと思います。練習中にうまくいかないときに心に留めておくと良いでしょう。最初の16秒は少し騒がしい始まりなので無視してください。 #2 - 練習すれば完璧になる - いや、質の高い練習が完璧を作る！ 効果的な練習方法について、ここで私の考えをすべて述べると、何時間も何日も読むことになってしまいます！しかし、基本的には… 弾けないものだけを練習する コード進行、エクササイズ、リフ、スケール、ソロなど、何でも完璧に間違いなく弾けるようになったら、もうそれを練習する必要はありません。だから、もしあなたの練習ルーティンが、すでに知っている曲やスケールを弾くだけで構成されているなら、あなたは上達していません。 上達するためには、今のところ弾けないものを弾かなければなりません。つまり、より難しい曲、ソロ、リフなどです。あるいは、メトロノームやドラムループを使って、今弾けるよりも速いスピードでエクササイズやスケールなどを練習する必要があります。 そして、何時間もかかるわけではありません！週に5日、20分の集中練習で十分です。しかし、その20分間は、今のところ弾けないものだけを、完璧を目指して集中して弾くのです。練習が終わったら、好きなだけ好きな曲を弾いて、好きなだけ楽しんでください！ しかし、その集中した20分間こそが、毎日継続的な上達を保証するのです。 #3 メトロノーム、ドラムループ、バッキングトラックなどを使って練習する。 不安定なテンポのミュージシャンほどひどいものはありません。ですから、メトロノーム、ドラムループ（オンライン、DAW、ドラムマシン/キーボード）、または良いバッキングトラックのいずれかを使って練習することで、そうならないようにしましょう。 私はフィンガーエクササイズからスケールまで、あらゆる練習でメトロノームを使うのが好きです。しかし、多くのギタリストは、よりリアルなのでドラムループを好みます。何を選んでも構いません。どれを選んでもリズム感が向上し、テンポを維持できます。 通常、新しいエクササイズやスケールを始める際は、メトロノームを60に設定し、上達するにつれて数日ごとに3拍ずつ上げていきます。ただし、いくつか注意点があります。 すべての拍で演奏しない 1拍目と3拍目（通常はキックドラムの拍）、またはできれば2拍目と4拍目（通常はスネアドラムが入る拍）で演奏します。これは非常に効果的です。なぜなら、演奏しない、耳を傾けるだけの拍が、完璧にテンポを維持してくれるからです。すべての拍で演奏すると、拍より少し先行したり遅れたりしても、それに気づかない可能性があります。 しかし、メトロノームを使った練習は、演奏を堅苦しくしてしまうのではないでしょうか？ 多くのギタリストは、ジミー・ペイジやジミ・ヘンドリックスのような伝説的なプレイヤーの「だらしない」スタイルを再現するには、少しテンポをずらして演奏すべきだと考えています。しかし、これは無作為ではありませんでした。彼らは両者とも、99.5%の時間、自分たちが何をしているのか正確に理解していました。 確かに彼らの演奏には少し無謀なところがあり、だからこそ私たちは彼らをとても愛しているのです。しかし、彼らのタイミングは必要なときには完璧であり、曲が必要とするときには緩やかでした。彼らはリズム感が非常に強かったので、曲を最高にするために必要なものを何でも演奏しました。 そして、それが一定のリズムに合わせて練習することで、あなたの演奏に生まれるものです。ですから、ドラムループやメトロノームがあなたの雰囲気を殺してしまうなんて思わないでください。そうではありません。あなたがタイミングとリズムの達人になることで、どんな雰囲気でも生み出すことができるようになるでしょう。 それが次の項目に繋がります… 常にぴったりと拍に合わせて演奏しない もしあなたが、ギターロボットのようになることを本当に心配しているなら、拍の上、後ろ、前にフレーズを置く方法を学びましょう。これにより、曲に応じて必要な演奏ができるような、リズミカルな柔軟性が身につきます。 拍を制限して自然なタイミングを向上させる 前述の通り、メトロノームを使い始めたら2拍目と4拍目で演奏しますが、タイミングが向上したら色々と試してみてください。...

まだマイナーセブンスコードをマスターしていないなら、豊かでムーディー、内省的なサウンドの世界を逃しています。これらを弾けるようになれば、演奏に物悲しさを加えるだけでなく、ずっと洗練されたものになるでしょう。 マイナーセブンスコードは、クリーミーでジャジー、そしてソウルフルな響きを持ち、通常のルートコードよりも少し緊張感があります。短3度が悲しい雰囲気を与え、短7度がわずかな不協和音を加え、ジャズ、ブルース、ファンクといったジャンルに完璧に合う、より柔らかい響きのコードを生み出します。しかし、それだけではありません。オルタナティブ、ロック、メタルといった様々な他のジャンルでも使え、ポップソングでも素晴らしい効果を発揮します。 では、私のお気に入りの一つであるAm7を例にとって、基本から見ていきましょう… Aマイナーセブンスコードとは？ Aマイナーセブンスコードは、メジャースケールの1度、短3度、5度の音からなるマイナートライアドに、短7度の音を加えた4つの音からなるコードです。音楽理論の知識がそれほどない方にとっては、これは非常に複雑に聞こえるかもしれませんが、分解してみると、思ったよりもずっとシンプルです。では、そうしてみましょう。 マイナートライアドは、あらゆるマイナーコードを構成する3つの音であり、つまり、ギターを習い始めた頃に最初に弾いたコードの一部です。これらのルートコードを弾く際に最大6本の弦をかき鳴らすことがあっても、実際には3つの異なる音しか含まず、それが繰り返されます。例えば、Aマイナーの場合： 注：正しく演奏した場合、AmコードはA音をルートとするため、低音E弦を親指または第二指の先でミュートする必要があります。これにより、5弦コードとなります。しかし、初心者の方は今はこれについて心配する必要はありません。6本の弦すべてをかき鳴らし、上達するにつれてミュートが必要なこのコードや他のすべてのコードをミュートする方法を学びましょう。 図からわかるように、コードは2つのA音、2つのE音、1つのC音、つまり3つの異なる音で構成されており、5つではありません。 では、Aメジャースケールを見てみましょう。 A - B - C# - D - E - F# - G# > Aに戻る 1 -  2 -  3  -  4 -  5 -  6  -  7   >   ...

トレモロシステムを好きであろうと嫌いであろうと、それがギターの感情表現能力に大きな影響を与えてきたことは否定できません。デヴィッド・ギルモアが「Comfortably Numb」のような名曲で繊細に使ったものから、エディ・ヴァン・ヘイレンやスティーヴ・ヴァイのようなプレイヤーの劇的な技巧、ケヴィン・シールズのようなシューゲイザーの巨匠のトレモロ・ストロークまで、アームはギタープレイを別のレベルに引き上げる美しき道具です。 それでは、いつ初めて使われ、誰が発明し、誰が改良し、そしてあなたが使うべき理由について、見ていきましょう。 トレモロシステムの夜明け ギターのトレモロシステムの起源は1930年代に遡ります。この頃、革新者たちは弦楽器で人間の声の自然なビブラートを模倣しようと試みました。結果は粗雑でかなり不成功に終わりましたが、1950年代には、エンジニアリングと音楽的野心の改善により、状況は格段に良くなりました。 この頃、ビグスビーのビブラートシステムが注目され始めました。ポール・ビグスビーのデザインであるシンプルなローラーバー機構は、すでに約10年前から存在していましたが、50年代初頭に最初のソリッドボディのエレキギターが市場に出回るまで、世界はトレモロの天国を迎える準備ができていませんでした。これによりスムーズなピッチシフトが可能になり、マール・トラヴィスのような当時のカントリープレイヤーに愛用されました。 1953 Gibson Les Paul Goldtop with Bigsby B7 ソリッドボディのエレキギターの最前線にいたのはレオ・フェンダーで、彼は1954年にフェンダー・ストラトキャスターを発表し、商業的に初めて成功したシンクロナイズド・トレモロ・ブリッジを搭載しました。このデザインは、ギターのボディに固定されたシンプルなスプリング式のシステムで、プレイヤーは取り外し可能なバーを使ってギターのピッチを上下させることができました。これにより、ビグスビーよりもはるかに優れたチューニングの安定性が得られ、すぐにバディ・ホリーやディック・デイルのような当時のポップ、ロック、サーフギタリストに広く使用されました。しかし、激しく使用すると弦のチューニングは狂う可能性がありましたが、ビグスビーほど簡単ではありませんでした。 1954 Fender Stratocaster Lake Placid Blue with synchronized tremolo and cover クレイジーに行こう！70年代と80年代 トレモロの進化は1970年代から1980年代にかけて爆発的に進みました。エディ・ヴァン・ヘイレン、スティーヴ・ヴァイ、ジョー・サトリアーニ、ジューダス・プリーストのK.K.ダウニングといった華麗なプレイヤーから、リッチー・ブラックモア、ジェフ・ベック、デヴィッド・ギルモアといったより伝統的なプレイヤーまで、数え切れないほどのギタリストが音の限界を押し広げました。 1977年には、フロイド・ローズのダブルロック式トレモロが登場し、長年の悩みだったチューニングの問題がついに解決され、デザインに大きな進歩がもたらされました。これにより、エクストリームなダイブボムやその他の複雑なトレモロテクニックの時代が到来し、シュレッドやメタルジャンルの主流となりました。 1977 Fender Stratocaster modified with a Floyd Rose Trem system 革新的なデザインはナットとブリッジで弦をクランプし、最もアグレッシブなプレイヤーであってもチューニングの安定性を確保しました。...

よく聞かれる質問の1つに、「ギターをマスターするにはどのくらいの時間がかかりますか？」というものがあります。これは答えるのが難しい質問で、個人の献身度、練習量、モチベーションの高さによって明らかに異なります。しかし、長年にわたり、ギターをマスターする旅に役立ついくつかのことに気づきました。 それでは、さっそく見ていきましょう。 では、その質問への答えは何でしょうか？ これからお話しすることに落胆しないでください。このテーマを進めていく中で、その理由をさらに詳しく説明します。それに、私たちはギターを「マスターする」ことについて話していることを忘れないでください。キャンプファイヤーの周りで歌う友人と一緒に演奏できる程度に上達する、というだけではありません。 私の意見では、ギターをマスターするには、毎日数時間練習して、約10年かかります。 本当に？たった10年でマスターできるの？ このことについては、2つの一般的な意見があります。1つは、ギター、いやどんな楽器でも、真に「マスターする」ことは決してできない、というものです。私はそれに異議を唱えます。その理由を説明しましょう。 「マスターする」という言葉の標準的な意味は、ある主題について知り得るすべてのことを知っているとか、世界で一番であるとか、史上最高であるとか、本物のギターの神であるとかいうことではありません。 ロンドンで見つかった60年代半ばの落書き「クラプトンは神」 他の「マスター」について考えてみましょう。マスタービルダーとは、家の建設を監督できる人のことであり、マスターマリナーは、船の責任を確実に任される人です。どちらも史上最高ではありません。彼らは自分の州や都市でさえ最高ではないかもしれませんが、それでも「マスター」です。 あるいは、教育について考えるなら、修士号を取得することは非常に印象的です。それは学士号よりも高いレベルであり、ほとんどの大学生や短大生はそこで学業を終えます。しかし、博士号（PhD）はさらに上のレベルですが、それでも史上最高には遠く及びません。したがって、私が述べたように、「マスターする」という言葉は、あらゆるジャンルのあらゆるギタリストがこれまでにギターで演奏したあらゆるものを完璧に演奏できるという意味ではありません。それは単に、自信を持って楽器を操り、高いレベルのスキルで演奏できるという意味です。 次に、マルコム・グラッドウェルの著書『OUTLIERS（アウトライアーズ）』に書かれている、「マスターする」という言葉の「標準的な」定義を使うこともできます。彼によると、何かをマスターするには、通常1万時間の意図的な練習（楽器をいじるのではなく）が必要であると述べています。 したがって、ギター、または高いレベルのスキルと知識を必要とするその他の技術をマスターするには、約1万時間の「意図的な」、ここで「意図的」という言葉の力を過小評価してはいけません、練習が必要です。 毎日2時間、コード、スケール、ソロ、曲、耳の訓練、音楽理論などを練習すれば、約13年でマスターギタリストになれるでしょう。しかし、ほとんどの場合、そんなに長くはかかりません。その理由については、すぐに説明します。 でも、私の友人は2年でギターをマスターしたんですよ！ 彼らやあなたの意見ではそうだったのかもしれませんし、彼らが演奏するのを見て聞いて、あなたはとても感銘を受けたでしょう。しかし、彼らが真のギターの達人、長年の経験を持つ人と一緒に座ったら、彼らの欠点はすぐに明らかになるでしょう。彼らは、洗練されたミュージシャンの手にかかるような方法でギターを歌わせることができないのです。 それが、次の話題へとつながります… ギターをマスターするとはどういう意味ですか？ ほとんどの音楽教師は、生徒の成長レベルを初心者、中級者、上級者、マスターの4段階に分けて考えています。中には「上級中級者」のようにさらに細分化する人もいます。というのも、中級段階が通常最も長いためです。 これは、ブルース、ロック、ポップ、ジャズ、フォークなど、より自由なスタイルの音楽ジャンルを学ぶ場合にのみ当てはまります。クラシック音楽を学ぶ人は、グレードシステムを通して学びますから。では、まず... 初心者 おめでとうございます、素晴らしいギターの旅が始まりました。適切なテクニックを集中力と決意を持って、1日20分程度（3〜5分ずつに分けて）練習すれば、数週間から1ヶ月でこの段階を乗り越えられるはずです。しかし、集中した練習ではなく、楽器をいじることに時間を費やしているため、ほとんどのプレイヤーは2〜3ヶ月かかります。 簡単な免責事項 私は水を差すつもりはありませんし、ギターを弾くことの目的は楽しむことだと理解しています。しかし、ただ楽しむだけではギタリストとして上達することはありません。毎日20分間練習する必要があります。その後は、好きなだけ自由に弾いて遊んでください。黄金律は、すでに弾けるものを練習することはできない、ということです。したがって、何かを上手に弾けるようになったら、それは20分間の練習セクションから楽しいセクションに移動し、まだ弾けないもっと難しいものに置き換える必要があります。 さて、初心者の段階に戻りましょう… この段階の始まりでは、あなたがすること、あるいは弾こうとすることはすべて奇妙で難しいものです。ギターを構えるだけで腕や背中が痛くなるかもしれません。フレットを押さえる指先は、弦を押さえるたびに痛み、ストロークする手の手首も痛みます。 しかし、すぐにギターはより自然に感じられるようになり、基本的なコードを弾けるようになり、完璧ではないけれど、まあまあな音が鳴り、止まらずにコードを切り替えることができるようになります。曲に合わせてストロークすることもできます。あなたの旅が始まったのです！ フェンダーによる最近の調査によると、ギタリストの90%が最初の1年以内に演奏をやめ、その大半が最初の90日以内にやめるそうです！ これは衝撃的な統計ですが、その理由はいくつかあります… 多くの人は、ギターを弾くことが思ったよりもはるかに難しいと感じ、困難な初心者段階を乗り越えるための献身が足りない。 多くの初心者が与えられたものを弾いたり、安価な楽器を買ったりします。劣悪な、あるいはセッティングが悪いギター（弦がフレットボードから遠く離れているもの）を弾くことは、どんなレベルのギタリストにとってもほとんど不可能なので、良いギターを購入し、適切にセッティングしてもらうようにしましょう。 オンラインには情報が多すぎて、多くの人が独学できると考えています。問題は、何を練習すればいいのかわからず、すべてが難しすぎてモチベーションを失ってしまうことです。このような場合に教師は非常に貴重な存在となります。 ギターを弾くことは万人に合うわけではありません。「かっこいい」だけでは、通常、ギターを弾きたいという十分な理由にはなりません。 中級者 初心者から中級者への移行は、人々が実際に聴きたいと思うような曲を弾き始める時に訪れます。あなたが弾いているものは、レコーディングで聴くものと同じように聞こえます。曲の構成はまだ基本的なものかもしれませんが、曲がレコーディングされたときにスタジオで演奏されたのと寸分違わないギターパートを弾いています。 だからこそ、ギターで演奏されるものの約80%（プレイヤーのスキルレベルに関わらず）は中級レベルなのです。これはギターに限ったことではありません。一流の建築家は、素晴らしい建築物を生み出すための高度な技術を知っていますが、それでも多くの時間をレンガ積み作業に費やします。 ほとんどのプレーヤーにとって、中級段階を通過するには1年半から3年かかります。したがって、ギター演奏の約80％がこのレベルであるため、数年以内には、バンドのリズムプレーヤーとして必要なほぼすべてを演奏したり、ほとんどのソロアーティストに同行したりできるようになるでしょう。 上級者 この段階では、ギタリストは自分のギター演奏の芸術性を高めようとします。彼らは弾ける曲のテクニックを知りたいだけでなく、他のより難しいテクニックも学びたいと願っています。 これらのテクニックの中には、非常に習得が難しく、多くの場合、報われないものもあります。これらのテクニックを学ぶのに必要な時間の量は、実際には多くの実用的な応用例がないため、意味をなさないことがよくあります。前述したように、SpotifyやYouTubeで聴くものの80%は中級のテクニックを使って演奏されています。...

弦のないギターは一体何でしょう？　演奏不能な、ただの木片をつなぎ合わせただけの、誰かの頭を叩くか、役立たずのテニスラケットとして使うか、火を起こすかする以外は全く使い物にならない代物でしょう。 それほど弦は重要であり、弦がなければギターはただの楽器ではありません。弦はまさに楽器の心臓であり、指が触れ、ピックが奏でるものです。また、ギターが発する音となるあらゆる振動を生み出す責任も担っています。 では、なぜほとんどのギタリストは弦を当たり前のものと見なしているのでしょうか？ ほとんどの人は弦のセットを購入し、音色に満足すれば、そのブランドとゲージを一生使い続けます。しかし、弦にはそれ以上の要素があり、音色を形成する上で極めて重要な役割を果たしています。製造に使用される素材は弦の音に大きく影響しますが、ほとんどのプレイヤーはその違いを理解していません。だからこそ、私はギター弦の素材について詳しく調べてみることにしました。まずは… ギター弦の短い歴史 古代、リュートのような初期の弦楽器には、羊や牛の腸を洗浄し、伸ばし、ねじって細くて丈夫な「弦」にした、いわゆるガット弦が使用されていました。当時のギタリストでなくて良かったと認めざるを得ません。死んだ動物の一部を指板に押し付けて弾くのは、あまり楽しめなかったでしょう。 残念ながら、牛や羊にとって、弦の製造技術は何世紀もの間進歩せず、ガット弦は、現代ギターの祖先が現れ始めたルネサンス期やバロック期といった音楽的に非常に重要な時代を通して唯一の選択肢でした。 19世紀になると、ついに金属弦が市場に登場しました。これらはガット弦の問題がなく、温度や湿度の変化に非常に敏感でなく、はるかに耐久性があったため、すぐに採用されました。また、特にスチール弦の場合、より明るい音色を生み出し、楽器を際立たせ、同時に演奏される他の楽器から分離させるのに役立ちました。これは、米国における伝統的なフォーク音楽や初期のカントリー音楽でのギターの台頭における重要な側面でした。 しかし、畑で草を食む可愛らしい動物の友人たちにとって、すべてが良いニュースではありませんでした。なぜなら、クラシックギタリストは1940年代に、動物にずっと優しいナイロン弦に最終的に置き換えられるまで、ガット弦を使い続けたからです。 ギター弦の歴史のセクションはここまでで、次に… 異なる種類のギター弦とその素材 最高のギター弦のセットを選ぶには、どのギターに装着する予定かによって異なります。それでは、それぞれの要件と選択肢を順番に見ていきましょう。まずは… アコースティックギター弦 アコースティック弦の最も重要な機能は、ギター自体以外の何ものにも増幅されずに大きく響くことです。したがって、通常は、明るく響く音色を生み出す金属で製造されます。例えば… ブロンズ 名前とは異なり、ブロンズ弦は100%ブロンズでできていません。通常、80%の銅と20%の錫の合金で製造されますが、錫の代わりに亜鉛が使用されることもあります。パッケージにはその旨が記載されており、通常は80/20ブロンズと表記されています。 彼らは多くの高音域を持つ、鮮明で明るいサウンドを提供します。これが、フォークやカントリーのプレイヤーに非常に愛される理由です。 比較的に耐久性がありますが、他の多くの合金よりも酸化が早いため、時間の経過とともに輝きを失います。 フォスファーブロンズ これらはデザインが非常によく似ていますが、少量のリン（通常1%未満）が添加されており、ブロンズ弦よりも耐久性があります。ブロンズ弦よりもわずかに暖かく豊かな音色を生み出し、明るさと深さの両方を兼ね備えています。 スチール アコースティックギター弦がブロンズまたはフォスファーブロンズで巻かれているかに関わらず、芯は通常、高炭素鋼でできています。丈夫で柔軟なスチールは、弦にアコースティックな響きに必要な張力を与えるのに最適な選択肢です。低い弦（E、A、D）は巻かれており、高い弦（G、B、E）は通常プレーンスチールです。 しかし、ダダリオなどの一部のメーカーはさらに一歩進んで、以下のセットのようにスチールコアにシルクを含んでいます… シルクとスチールコアの上に銀メッキされた銅の巻き線は、暖かくまろやかな音色を生み出し、ソリッドコアの弦よりも張力が弱いです。これにより、フィンガーノイズが軽減され、特にパーラーギターのような小型の楽器でのフィンガースタイルに最適です。 コーティングするか、しないか - それが問題です 一部のメーカーは、弦を腐食から保護し、寿命を延ばすためにポリマーコーティングを使用しています。弦の構造は通常かなり伝統的ですが、その後コーティングされ、汗、油、汚れから弦を保護するための薄いバリアが形成されます。 このすべての派手な技術は製造コストを上げ、コーティングされた弦は非コーティングのものよりもはるかに高価です。しかし、その輝きははるかに長く持続するため、弦の寿命が延びることで余分なコストを十分に補って余りあります。 しかし、私の耳には、それほど良い音ではないので、私は使用しません。しかし、これはもちろん個人的な好みであり、私の友人の多くはそれらを強く勧め、より良い音だと考えています。それらは非常によく売れているので、他の多くのギタリストも私の友人と同意見であることは明らかですが、私個人としては、音響の純粋さのために伝統的な弦のデザインにこだわり続けます。 アコースティックギターの弦については以上です。次に… エレキギター弦 アコースティック弦が楽器によって増幅される音を作り出すことを使命としているのとは異なり、エレキギター弦は磁気ピックアップに頼って音を増幅します。したがって、それらは強磁性材料、つまり磁化可能な金属で構成される必要があります。人気のある選択肢には以下が含まれます… ニッケルメッキスチール これらはエレキギターにとって圧倒的に最も人気のある選択肢であり、ニッケルメッキされたスチールワイヤーで巻かれたスチールコアを特徴としています。ニッケルは、純粋なスチールよりも滑らかな感触とわずかに暖かいトーンを生み出す一方、スチールコアはピックアップの強力な磁気応答を保証します。 ピュアニッケル この素材の組み合わせは、よりヴィンテージなサウンドの弦を生み出します。それらはスチールコアの上に純ニッケルの巻き線（前述のセットのニッケルメッキされたワイヤーとは対照的に）を特徴としています。これにより、明るさが少なく、より柔らかく、暖かい音色が得られます。 このデザインは、1950年代のロックンロールサウンド、そして後の60年代のロックジャンル全体の基盤を築きました。現在では、その時代のクラシックでレトロなサウンドを再現しようとしているブルースやクラシックロックのプレイヤーに好まれています。 ステンレススチール 次に、非常に硬い弦の素材の組み合わせがあります。これらは、ステンレススチールで巻かれたスチールコアを特徴としています。これにより、入手可能な中で最も耐久性のある弦となり、腐食にも非常に強いです。...